Оскар Беме (1870 — 1938) — выдающийся трубач, педагог, родившийся в Дрездене в семье виртуоза-трубача. После окончания Лейпцигской консерватории по классу трубы и композиции Беме был приглашен в оркестр Императорского оперного театра. Творческое наследие его огромно: 24 этюда во всех тональностях, множество концертных пьес и ансамблей. Вершиной его творчества для трубы смело можно назвать Концерт для трубы.
Он написан в начале века, когда никто из маститых композиторов еще не обращался к жанру концерта для трубы да и вообще почти не писали музыки для нее. Поэтому исполнители вынуждены были сочинять сами для себя, чтобы исполнять ее в своих концертах. Концерт Беме — одно из тех произведений, которое успешно прошло проверку временем и до сих пор является одним из самых популярных среди трубачей.
Концерт написан в трехчастной форме со связующим эпизодом между 2 и 3, который представляет из себя речитатив трубы в духе оперного речитатива, который исполнители зачастую пропускают. Несмотря на очень выразительный мелодический план сольной партии и достаточно сложную техническую сторону, было создано несколько редакций Концерта из-за некоторой слабости композиции. Первая часть написана в традиционной форме сонатного аллегро. Очень выразительна и динамична главная партия, с размахом охватывающая широкий диапазон. Эта тема полна техники, больше свойственной корнету, чем трубе: пассажи из мелких длительностей, которые должны звучать рельефно и в то же время легко, скачки на большие интервалы на легато, которые должны исполняться свободно, без напряжения – все это требует от исполнителя на трубе намного больших затрат, чем на корнете.
Побочная партия немного спокойнее, но и в ней чувствуется тот импульс движения, заданный главной партией. В разработке используются виртуозные фигуры с различными мелкими длительностями, трели, арпеджио и другие выразительные приемы, на которых исполнитель может показать свое мастерское владение инструментом. Перед кодой автором подразумевается каденция, но сам он ее не написал, и как правило, ее не исполняют. Одним из вариантов каденции может служить пример Т. Докшицера.
Вторая часть — Адажио, написанное в простой трехчастной форме со вступлением и кодой. Некоторая примитивность фортепианной партии в последующих редакциях была исправлена. В нотах авторского варианта стоит ремарка festivo, что означает «празднично». Т. Докшицер, анализируя это обозначение приходит к выводу, что это ошибка и высказывает предположение, что здесь подозревается слово funebre – «похоронно» и что логичнее было б вообще не ставить дополнительных обозначений . На мой взгляд, авторская ремарка «празднично» вполне уместна и указывает на авторскую трактовку данной части. Это не грусть, а наоборот, светлая, праздничная лирика. Виртуозных пассажей здесь нет, но широкие и протяженные мелодии требуют хорошей выдержки, красивого звука и постоянного контроля за непрерывностью дыхания.
В этой части очень ярко обнаруживается связь между игрой на трубе и вокальным искусством – эта традиция вокализации идет еще от музыки барокко, когда труба часто противопоставлялась голосу и есть много музыкальных примеров «соревнования» трубы и голоса (арии из произведений Генделя, Баха, Скарлатти и др.), и проходит через весь трубный репертуар вплоть до наших дней. Однако, при всей певучести, музыка не должна создавать впечатление затянутости, в ней должна присутствовать внутренняя динамика. Интересна также трактовка Т. Докшицером штриховых обозначений. «Не берусь комментировать акценты в 5-7 тактах — пишет он. – Такие знаки противоречат характеру певучей мелодии».
Из этого видно, что его интерпретация немного отличается от авторской задумки. Как и в случае с ремаркой festivo, эти «акценты» — не что иное, как обозначение характера музыки – праздничного. Вполне логично, что акценты в этой части (мягкие) не такие же, как акценты в скерцозной третьей части (колкие). То же касается и штриха легато в цифре 8. Это скорее не штрих, а смысловые границы фраз, которые зачастую композиторы графически обозначают лигой.
Третья часть — рондо — это веселый праздничный танец, напоминающий тарантеллу. Легкие форшлаги придают музыке полетность и игривость. Рефрен проводится четыре раза, и каждый раз тема немного варьируется. Темп не следует брать слишком быстрый, для того чтобы все мелизмы прослушались, были сыграны «выпукло».
В форме можно различить элементы рондо-сонаты, так как вторая тема выполняет роль побочной партии. Перед ней есть связующий эпизод, начинающийся с трели, построенный на трезвучиях, охватывающих две октавы.
Даже в среднем темпе сыграть его достаточно сложно. Исполняется он двойной и комбинированной атакой, поэтому для его разучивания очень полезно поиграть упражнения на различные виды атаки из методических пособий, а также играть его разными штрихами и видами атаки в нескором темпе.
Вторая тема написана в духе лирической серенады, автором поставлена ремарка cantabile. Мелодия построена на классических периодах, поэтому в плане ее художественного развития здесь особых проблем не возникает. Главная трудность – выдержка, так как в теме нет продолжительных пауз и долгое время трубач играет без отрыва мундштука от губ.
Завершается часть кодой в ускоренном темпе (piu vivo), построенной на гаммообразных движениях шестнадцатыми. Технически она не менее сложна, чем упомянутая выше связка между темами. Первые такты идут ad libitum и, как правило, солистом не исполняются. Построена кода преимущественно на хроматических пассажах, а акцентированные синкопы придают ей особую упругость и танцевальность.
Таким образом, мы видим, что концерт Беме — яркий пример концертного произведения для трубы, являвшегося революционным в свое время и открывшим блестящие возможности этого инструмента, не уступающим популярному в то время корнету, на стиль которого автор опирался при его написании.
При написании статьи частично использовалась литература:
Т.Докшицер. «Путь к творчеству»